La Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte de la UNA celebró el inicio del ciclo de charlas y talleres «Diseño Jere», en el marco de los 20 años de la carrera de Diseño Industrial. El Auditorio se convirtió en un espacio de encuentro y palabra, donde profesores, estudiantes y autoridades compartieron la importancia de esta iniciativa de extensión universitaria. En la apertura, el ceramista y estudiante Ruru Sañuq presentó su proceso creativo, uniendo tradición ancestral y diseño contemporáneo, inspirado en la fauna y flora que nos rodea.
Seres, tierra y vida: así se vivió el inicio del ciclo de charlas y talleres Diseño Jere, organizado por la carrera de Diseño Industrial de la FADA-UNA para celebrar dos décadas de formación y comunidad académica. El viernes 27 de marzo, el Auditorio de la facultad se transformó en un espacio de diálogo y celebración, con la presencia de autoridades, docentes y estudiantes. El profesor Eduardo Barreto, junto al staff de docentes y decanos de las carreras de arquitectura, diseño y arte, brindó apertura al ciclo explicando el sentido del nombre Diseño Jere —“ronda o vuelta” en guaraní— como un espacio para conversar, exponer y compartir el diseño. Desde el área de proyectos de extensión universitaria, la licenciada Teresita Oroa destacó la importancia de esta iniciativa, que no solo pertenece a la carrera de Diseño Industrial, sino que también aporta a la comunidad educativa mediante la participación activa de los estudiantes.
Orígenes, Proceso y Técnicas de Creación
En este marco, se presentó la primera charla del ciclo, a cargo de Ruru Sañuq, artista cerámico y estudiante de la carrera de Diseño Industrial. Explicó paso a paso cómo se forman las piezas de arcilla mediante la técnica del paleteado, estirando la arcilla hacia arriba con una paleta hasta dar forma a cuencos y vasijas. Esta práctica ancestral aún se conserva en ciudades como Chulucanas y Simbilá 1, en Perú, donde se elaboran vasijas utilizadas para almacenar agua o chicha (bebida a base de maíz).
El pintado de las piezas se realiza con engobes naturales extraídos de los cerros, cuyas tonalidades propias se procesan para obtener colores como marrón, amarillo y rojo, complementados con pigmentos como azul y turquesa. La técnica del bruñido se efectúa con piedras de la costa peruana, que se pasan sobre la arcilla hasta lograr un brillo intenso sin necesidad de barniz ni esmalte. La quema se lleva a cabo en hornos a leña, alcanzando temperaturas cercanas a los 900 grados, un proceso que exige experiencia artesanal para evitar que las piezas se vuelvan frágiles o pierdan color.
El decorado negativo, técnica heredada de la cultura Vicús, utiliza arcilla líquida para proteger las zonas coloreadas antes del ahumado. En este último paso, las piezas se exponen en hornos abiertos con hojas secas de mango, cuyo aceite aporta brillo y cuyo humo impregna el característico color negro. “El color negro que pueden ver, todo es por el ahumado, por las hojas: el humo hace que se vuelva totalmente negro”, explica el artista.
Obras y Reflexión
Tras mostrar el proceso, Ruru compartió sus primeras obras realizadas a los quince años, marcadas por formas geométricas y futuristas, con colores intensos como el turquesa y el azul. Más adelante, evolucionó hacia piezas figurativas —Armadillos, Tortugas— que llegaron a ser parte de una exposición en Japón. Sus últimas obras se inspiran en la fauna y flora del Paraguay, como el Árbol de Samu’ú o un Oso Hormiguero acompañado de una Mariposa, presentadas en concursos y exposiciones recientes. “Aunque mi padre me reta porque hago cosas muy delicadas que se pueden romper, me gusta desafiarme y lograr obras así”, confiesa.
Finalmente, el artista compartió su motivación más profunda: “Para mí es un agradecimiento, una forma de respeto a mis ancestros. Hace 2.500 años se fue trabajando esa técnica y llegó a mis manos por algo. Mi nombre es un ser que trasciende con la cerámica y con el barro”. Para él, continuar con esta práctica es preservar la identidad cultural frente a la modernidad y la homogeneización. En su mensaje a los estudiantes, subrayó que el diseño también puede ser un medio para mantener viva la cultura y transmitir mensajes a través de estilos, colores y formas. Citó una frase que resume su visión: “La tradición no es la adoración de la ceniza, sino la preservación del fuego”.
Preguntas y respuestas compartidas
En un ambiente ameno, Ruru respondió consultas, explicó detalles técnicos y relató experiencias personales con la cerámica.
Con gratitud y humor, concluyó ofreciendo enseñar la técnica a quienes se interesen, aunque advirtió que puede resultar más desafiante que relajante. Su relato deja en claro que la cerámica, más que un oficio, es un legado vivo que conecta pasado, presente y futuro, y que encuentra en la FADA-UNA un espacio para dialogar y proyectarse hacia nuevas generaciones.
- (**) Chulucanas y Simbilá, ubicados en Piura, Perú, son reconocidos centros artesanales de cerámica con raíces prehispánicas. Chulucanas destaca por su técnica de paleteado, ahumado y estilo negativo (negro y crema), mientras que Simbilá, cerca de Catacaos, es famosa por la fabricación tradicional de jarros para chicha en hornos de leña.. ↩︎
Aprendiendo con Ruru Sañuq
Tras la charla, el artista se acercó a los estudiantes y al staff de docentes para mostrar en vivo cómo se trabaja con el barro. (Galería fotográfica) La experiencia de la cerámica ancestral: El encuentro cerró con la observación de las obras terminadas, donde tradición y diseño se funden en un mismo lenguaje creativo.
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